jazz
El Jazz es una forma musical desarrollada hacia 1900 que tiene sus raices en el eclecticismo musical de los afroamericanos. Donde tienen influencia la musica de África Occidental (estilos vocales, la improvisación, las pautas de pregunta y respuesta, y la complejidad rítmica), las formas musicales de la comunidad negra del Nuevo Mundo (cantos que acompañaban el trabajo, las nanas y, aunque posteriores, los cánticos espirituales y los blues) y la música europea de los siglos XVIII y XIX (himnos, marchas, valses, cuadrillas y otras músicas de baile, de teatro ligero, y de óperas italianas).
Entre los elementos negros de la música popular que han contribuido al jazz se incluyen la música de banjo de los minstrel shows (derivados de la música de banjo de los esclavos); los ritmos sincopados de influencia negra procedentes de la música latinoamericana (que se oía en la ciudades sureñas de Estados Unidos), los estilos de pianola de los músicos de las tabernas del Medio Oeste, y las marchas e himnos tocados por las bandas de metales de negros a finales del siglo XIX.
Los antecedentes del Jazz son la música folk y la música popular, pero estos tres tipos de música son claramente distinguibles y no deben confundirse unos con otros.
La mayor parte de la música primitiva de jazz se interpretaba en pequeñas bandas de marcha o la tocaban pianistas solistas. Aparte del ragtime y las marchas, el repertorio incluía himnos, espirituales y blues. Las bandas tocaban esta música, modificándola mediante síncopas y aceleraciones, en los picnics, bodas, desfiles y funerales. Era típico que las bandas tocasen endechas de camino a los funerales, y marchas alegres al volver. Si bien el blues y el ragtime surgieron con independencia del jazz y continuaron coexistiendo con él, influyeron en el estilo y las formas del jazz, y sirvieron de vehículo importante para la improvisación jazzística.
Etapas
Etapa de Nueva Orleans
Etapa de Chicago y Nueva York
Epoca del Swing
Epoca del Bebop
Epoca del Cool-Jazz
Epoca del Hard-Jazz
Jazz de Nueva Orleans
- Epoca
Inicio del siglo XX hasta la decada de 1920
- Lugar
Nueva Orleans
- Caracteristicas
Exuberancia y el volumen son más importantes que la delicadeza. La improvisación se centraba en el sonido del conjunto.
- Instrumentos
La corneta o trompeta llevan el peso de la melodía, el clarinete toca contramelodías, el trombón interpreta sonidos ritmicos mientras que hace sonar las notas fundamentales de los acordes o una armonia simple. Detrás de este trio basico, la tuba o el contrabajo interpreten la linea del bajo y la bateria se encarga del ritmo.
- Músicos o bandas
Buddy Bolden parece ser el artífice de las primeras bandas del Jazz pero no existen grabaciones suyas.
The Original Dixieland Jazz era un grupo de músicos blancos que hicieron la primera grabación de una banda de Jazz en 1917 y dieron el nombre a este tipo de música.
Los New Orleans Rhythm King en 1922
La Creole Jazz Band en 1923, liderada por el cornetista King Oliver, en este grupo participaba el musico mas influente del Jazz de Nueva Orleans, el trompetista Louis Armstrong.
Jazz de Chicago y Nueva York
- Epoca
Decada de 1920
- Lugar
Chicago y Nueva York
- Caracteriticas
Es un estilo derivado del Jazz de Nueva Orleans, ya que muchos compositores vienen de allí, pero se acentua la actuación de los solistas. Los ritmos son mas tensos y la textura mas compleja.
- Instrumentos
Practicamente los mismos que en el Jazz de Nueva Orleans. Pero se añade el saxofón a la orquesta.
- Músicos o bandas
Jack Teagarden que tocaba el trombón
Eddie Condon que tocaba el banjo
Gene Krupa que tocaba la bateria
Beny Goodman que era clarinetista
Epoca del Swing
- Epoca
Décadas de 1930 y 1940
- Lugar
EE.UU. en general
- Caracteristicas
Hay uncambio en el ritmo que suavizaba los compases en dos tiempos del estilo Nueva Orleans utilizando un compás más fluido, de cuatro tiempos. Tambien se desarrolla el uso de estructuras melódicas cortas, llamadas riffs, con pautas de pregunta y respuesta. Utilizaban una forma de interpretar más flexible y estilizada
- Instrumentos
. Los instrumentos de viento intercambiaban los riffs de conjunto, e interactuaban con grandes dosis de ritmo con pausas para acomodarse a los extensos solos instrumentales. El saxofonista tenor tocaba sobre todo con una libertad rítmica de apariencia extraña durante las improvisaciones de los solistas de otras bandas.
- Músicos o bandas
Fletcher Henderson y su arreglista, Don Redman, contribuyeron a la introducción de las partituras escritas en la música de jazz
Duke Ellington compuso piezas de concierto, coloristas y experimentales, especialmente para instrumentos y músicos determinados porque eran mas complicadas
Otras figuras que hicieron escuela a finales de los años treinta fueron el trompetista Roy Eldridge, el guitarrista Charlie Christian, el baterista Kenny Clarke y el vibrafonista Lionel Hampton.
Epoca Bebop
- Epoca
Al terminar la Segunda Gerra Mundial en 1947
- Lugar
EE.UU.
- Caracteristicas
Seguía basándose en la improvisación sobre una progresión de acordes, pero sus tempos eran más rápidos, las frases más largas y complejas, y la gama emocional más amplia, hasta incluir sensaciones menos agradables que las habituales hasta entonces. Se añade vocalistas, danzas y comedia
- Instrumentos
Saxofón
Trompeta
Piano
Bateria
- Músicos o bandas
Parker con el saxofón, a cualquier velocidad y tonalidad. Creó bellas melodías relacionadas con los acordes subyacentes, pero de una manera muy elaborada. Poseía una variedad rítmica infinita
Dizzy Gillespie, trompetista colaborador de Parker, conocido por su formidable velocidad y registro, y por su sugestivo sentido armónico
Epoca Cool-Jazz
- Epoca
Finales de la deceda de 1940 y la decada de 1950
- Lugar
Costa Oeste
- Caracteristicas
El Cool-Jazz se basa en el Bebop pero es mas refinado
- Instrumentos
Los mismos que en el Bebop
- Músicos o bandas
Zoot Sims, saxofonista tenor
Stan Getz, saxofonista tenor
Gerry Mulligan, saxofonista barítono
Dave Brubeck, pianista
Paul Desmond, saxofonista
Epoca Hard-Jazz
- Epoca
Decada de 1950
- Lugar
Costa Oeste
- Caracteristicas
Se continua acrecentando la tradición mas caliente y estimulante del Bebop
- Instrumentos
No cambian
- Músicos o bandas
El trompetista Clifford Brown
El baterista Art Blakey
El saxofonista o saxo tenor Sonny Rollins, uno de los mayores talentos de su generación
Al llegar a los años 40, el jazz se encontraba musicalmente en un callejón sin salida. Muchos músicos estaban frustrados por las limitaciones que suponía tocar en grupos grandes (Big bands), y empezaron a buscar formas de expresión nuevas y originales.
Por esta época ya ha saltado a la escena la influencia cubana, presidida por el trompetista Mario Bauzá, que había estado en los años 30 en la big band de Chick Webb, y el bongosero Chano Pozo, enrolado en la banda de un trompetista llamado Dizzy Gillespie que, por aquellas fechas, aún no era un revolucionario.
El Bop comienza a gestarse como consecuencia de la llegada a las orquestas de un gran número de músicos muy jóvenes, para sustituir a los que fueron movilizados durante la guerra. Muy pronto, las Big bands deben desintegrarse pues los circuitos comerciales se han hundido tras la guerra y resulta difícil mantener formaciones de tan gran tamaño. Como señalan Case y Britt, los músicos se dispersan en una infinidad de pequeños grupos que, obviamente, no pueden continuar con una música que exige grandes formaciones y, en consecuencia, están dispuestos a asumir cualquier propuesta, por muy radical que pareciese en ese momento.
La generación más joven del jazz, sobre todo Parker y Gillespie, optaron por reírse abiertamente de las normas. La respuesta de Gillespie al aburrimiento de la rutina del swing fue tocar a un ritmo furioso y llenar el breve solo que se le concedía en la orquesta con tantas ideas armónicas y melódicas como podía.
Características [editar]
Características musicales [editar]
El Bop presenta una serie de características que, en su momento, fueron muy innovadoras:
a) Individualización de la sección rítmica, con un resultado de aparente caotización, rompiendo la continuidad de pulsación propia del Swing. Se trata de una clara influencia de los ritmos afrocubanos, en forma de falsa polirritmia. La pulsación básica se interioriza y los instrumentos rítmicos, como la batería, se independizan de ella y asumen papeles melódicos.
b) Abandono total del fraseo hot y de la sonoridad vocal de los instrumentos, llevando más allá la búsqueda de sonidos afinados al estilo europeo, ya iniciada por el Swing, con una estética nerviosa, cortante y fria. El fraseo, sobretodo en los primeros tiempos, es rápido, en corcheas y semicorcheas, usualmente con predominio de los registros agudos de los instrumentos.
c) Utilización de tempos muy rápidos, incluso en las baladas, con frecuente utilización de figuras rítmicas antillanas.
d) Predominio de los solos individuales, improvisados sobre partes corales, breves y estructuradas en forma de riffs. Esto supone un claro declive del concepto melódico propio del Swing y su sustitución por un concepto armónico, desconocido hasta entonces en el jazz.
e) Búsqueda consciente de una negritud, a veces forzada, en la elección de temas, ritmos y sonidos, cuando no en la propia filosofía.
El cool es un género musical del jazz que se desarrolla durante la década de 1950; cronológicamente, sigue al bebop y precede al hard bop.
El bebop empezó a estancarse a comienzos de los años cincuenta. Una de sus estrellas, Miles Davis, empezó a intentar crear sonidos nuevos. Se alejó del sonido bebop y grabó con un grupo de nueve instrumentos. Ocho de las piezas se editaron en discos de 78 revoluciones y en 1950 se recopilaron en un disco con un título muy significativo: Birth of the cool.
La música se alejaba de la improvisación total y de los furiosos ritmos del bebop. Davis desarrolló un estilo más relajado y orquestal. Desnudó al jazz de sus raíces en el blues y lo empujó hacia un sonido que tenía mucho más en común con la música clásica europea. Los críticos dieron a esta música el nombre de cool, o, más específicamente, west coast jazz, porque la mayor parte de los músicos que la interpretaban estaban establecidos en la costa oeste de Estados Unidos.
Durante un breve periodo, el cool se hizo muy popular sobre todo entre una nueva generación de jóvenes blancos a uno y otro lado del Atlántico. Fueron músicos blancos como Chet Baker, Stan Getz y Gerry Mulligan los que dominaron la escena cool. Todos ellos habían estudiado la música clásica europea. El divorcio al que sometieron al jazz respecto de sus raíces negras llevó a que Miles Davis repudiara más tarde este estilo.
En música, crossover es un término utilizado para describir material "prestado" de diferentes géneros musicales, y cuya popularidad sobrepasa un género o estilo.
En el jazz, el llamado Crossover Jazz comenzó en la década de 1970 por razones aun no claras, pero con la presunción por parte de algunos investigadores, como Ronald Atkins, que se debe a la inspiración de algunos músicos de jazz en el rock, ya sea por sus buenas ventas como por gustos musicales personales. Esto hizo que el consumidor mayoritario pudiese estar más cerca de músicos de jazz anteriormente acotados a un público menor.
Las influencias mayores del Crossover Jazz son el Rock and roll, la música pop, el rhythm & blues.
Los músicos que se inscriben en este género también son identificados dentro de otras corrientes, no obstante se puede establecer como referentes a Claude Bolling, George Benson, Al Jarreau, Bob James y Earl Klugh.
Saltar a navegación, búsqueda
El Dixieland es uno de los estilos de jazz-hot, con predominio de los instrumentos de metal y de la improvisación.
Origen [editar] INICIO
Es un estilo originario de Nueva Orleans, que aparece a principios del siglo XX y se mantiene hasta la época de los años treinta, conociendo un revival hacia mediada la década de los 40.
Características [editar] INICIO
Tres instrumentos destacan sobre los demás: la trompeta, el clarinete y el trombón. El ritmo y la base armónica corren a cargo del contrabajo, la batería, el bajo y el piano, aunque muchas veces toman un papel protagonista (interpretado solos improvisados).
Generalmente este tipo de música se toca en la calle, incluso se utilizaba para desfilar. En algunas ocasiones, los instrumentos más pesados e imposibles de trasladar al aire libre, como el piano, el contrabajo, o la batería, se sustituyen por la tuba y otros instrumentos de percusión, como la caja y los platillos.
El dixieland, lo tocaban músicos blancos, que imitaban el estilo "Nueva Orleans", que lo tocaban preferentemente músicos negros. Por eso, mucha gente cree, erróneamente, que el "dixieland" y el "New Orleans" es lo mismo.
Orígenes [editar]
El Bop evolucionó muy rápidamente durante la década de los 50, y entre las distintas maneras de desarrollarse, algunos músicos, entre ellos George Russell y Charles Mingus, a partir de los conceptos de intuición y disgresión que había anunciado la música de Lennie Tristano,[1] desarrollaron formulaciones similares a las que ya se habían dado en la música clásica en los 20, con la irrupción de la atonalidad en el jazz de los años 60.
En palabras del crítico neoyorquino Don Heckman: Durante toda la historia del jazz hay una tendencia, de crecimiento libre, en dirección a la liberación de la idea improvisadora respecto de las limitaciones armónicas.[2]
Sin embargo, esta evolución hacia la atonalidad del jazz, lejos de tener su origen y referencia en la vanguardia abstracta clásica (Arnold Schönberg, Alban Berg...), se encuentra más cerca de la atonalidad folclórica concreta del field cry y el Folk-blues arcaico.[3] Para críticos como Heckman, Marshall Stearns o Joachim E. Berendt, no hay duda de este origen en la música de Ornette Coleman, Pharoah Sanders o Albert Ayler. Como ejemplo, Berendt cita que Coleman no llegó a saber de la existencia de la atonalidad europea hasta que conoció a Gunther Schuller, en 1960, cuando ya había desarrollado sus propios conceptos de tonalidad libre.
Ideología [editar] INICIO
Ese desarrollo musical se produce paralelamente a la adquisición, por parte de los músicos negros, de una conciencia social, que les hace comprender que su música puede ser un medio de lucha en el llamado movimiento por los derechos civiles. Esta rápida radicalización ideológica les llevará tanto a asumir planteamientos cercanos al Black Power[4] o a posiciones religiosas islamizantes (conversión al mahometanismo, adopción de nombres árabes, etc), como, incluso, a actuaciones políticas más radicales, de apoyo económico a los Black Panthers.[5]
Esta politización se plasmó tanto en la inspiración de la propia música (por ejemplo, ¡New Wiew!, de John Handy, sobre James Meredith, o Malcolm de Archie Shepp, en referencia a Malcolm X), como en la creación de asociaciones como la AACM de Chicago o en la propia ideología de músicos como Mingus,[6] que utilizaban la coming black revolution (la revolución negra inminente), incluso como recurso en sus relaciones profesionales.[7] De hecho, los músicos del free jazz se plantearon con frecuencia su posición como una respuesta al establishment racista:[8] Frente al mismo, la única salida de los músicos negros es unirse y responder a la discriminación con la discriminación; organizarse y excluir a los blancos de sus grupos y circuitos.[9]
Como indican expresamente Carles, Comolli y Clergeat, Ninguna otra forma artística en la historia (y no solamente en la de la música) ha encarnado, realizado, realzado con una tal intensidad sus apuestas en el ámbito económico, social, políti
Funky, adjetivo derivado del sustantivo funk (olor nauseabundo), es la forma en que los músicos negros de jazz de los años 1950 llamaban a un estilo de hacer música sin complicaciones, fuerte y rítmico, lleno de sentimiento, que reflejaba la herencia del blues, el gospel y la tradición africana. El calificativo funky, por tanto, no significa simplemente música animada y bailable, para lo que ya existía la denominación groove o groovy. Por el contrario, hace referencia a componentes como emoción, profundidad, sentimiento... un jazz visceral, con tintes de blues.
No se trata, pues, tanto de un estilo de jazz como de una forma de tocar jazz. Está en la base, pero es diferente del estilo musical denominado Funk
El Hard bop es un estilo musical del jazz que se desarrolló desde mediados de la década de los cincuenta hasta mediados de la de los sesenta del siglo XX; cronológicamente, sigue al cool y West coast jazz y precede a las vanguardias jazzísticas (en concreto, al free jazz y jazz modal).
Orígenes [editar]
El Cool y el West Coast, tomaron algunas de las innovaciones del Bebop pero, en líneas generales, se desarrollaron desde caminos más cercanos a la música europea y a las formas más vanguardistas del swing. Por ello, muchos músicos negros, especialmente en la Costa Este de los EEUU, se sienten ajenos a estos estilos y reaccionan contra lo que consideran una nueva usurpación de su música, como ya ocurriera en los años treinta.
Con el fin de revitalizar/virilizar el jazz, su preocupación va a oscilar, de un extremo a otro, desde una mezcla reactualizada del gospel y los blues, que dará lugar a un estilo (dentro del jazz) denominado funky o soul, hasta una forma revisada del Bebop, mediante un regreso al expresionismo. Desde esta perspectiva, no es posible disociar el Hard Bop del funky jazz.
Uno de los primeros músicos asociados con el hard bop fue Miles Davis, junto con los músicos que le acompañaron en el Miles Davis Quintet: John Coltrane, Cannonball Adderley, Red Garland, Philly Joe Jones, Paul Chambers y Milt Jackson. También, por supuesto, Sonny Rollins. Pero es entre 1953, con la creación de los Jazz Messengers de Art Blakey, y 1954, con la aparición de los quintetos de Horace Silver y Clifford Brown - Max Roach , cuando realmente podemos situar el punto de partida de estas dos tendencias indisociables que conforman el Hard bop.
Características [editar]
Características musicales [editar] INICIO
En el repertorio Hard bop se percibe por lo tanto una fuerte influencia del Blues y Gospel, siendo notable los temas basados en sus respectivas estructuras armónicas. La utilizacion de licks de Blues sobre todo tipo de acordes se consolida como lugar comun, continuando la tradicion iniciada por Charlie Parker.
Melódicamente el Hard bop es la lógica continuación del Bebop [1] El lenguaje melódico de Parker se generaliza a todos los improvisadores; esto es, el uso melódico de las extensiones superiores en los acordes, la alteración sistemática de los dominantes y un uso extensivo de la quinta disminuida sobre los acordes mayores,[2] si bien se puede observar un mayor énfasis en la verticalidad de las improvisaciones.[3]
Armónicamente, las progresiones se hacen más complejas al menos en dos sentidos. En primer lugar se amplia el tipo de modulación con movimientos abruptos. John Coltrane es un claro ejemplo de esto, como se aprecia en grabaciones clásicas de esta corriente como Blue Train y Giant Steps. En segundo lugar, en los propios heads, y en el comping de los pianistas, los voicings poseen una mayor riqueza en extensiones, frente a una forma más escueta de armonias y voicings del Bebop.[4]
El fraseo retoma la fuerza del Bebop, volviendose a generalizar los stacattos en el contratiempo, frente al fraseo mas legato del cool.
La instrumentación sigue los patrones clásicos del Bebop: Quintetos (con trompeta y saxofón) y trios especialmente, aunque, por supuesto, podemos encontrar ejemplos de casi cualquier formación.
Las secciones rítmicas son más homogéneas y ligeras que en el Bebop, haciendo un especial hincapié en el rigor del tiempo.
Caraterísticas sociales [editar]
En cuanto al entorno social en que nace el Hard bop, es conveniente recordar que la posguerra fue época socialmente represiva en los Estados Unidos, y las ideologías progresistas se ven marginadas a círculos muy concretos. En este contexto, el jazz entra en contacto con estos círculos, en los locales nocturnos donde tocan los músicos desplazados de los circuitos comerciales, y ese contacto supone un empuje en la búsqueda de la ruptura con el Swing. Es importante señalar,[5] que este contacto jazz-política será permanente durante la historia del Bop, llegando a su máximo exponente con la aparición del Free jazz.
En esta línea, la música del hard bop se enorgullece de ser negra y se inspira claramente en el movimiento de derechos civiles. El baterista Art Blakey describió el hard bop como el movimiento de vuelta a los orígenes.
El Jazz blues es un estilo musical que combina el jazz y el blues.
Este termino también se utiliza para hacer referencia a cualquier melodía que siga la progresión de acordes estándar de doce compáses de blues y cuya interpretación se acerque más al estilo del jazz que al estilo del blues tradicional. La música blues tuvo una influencia importante en el desarrollo del jazz, siendo muy comúnes las melodías de jazz blueseras en el repertorio del jazz (además de la progresión de acordes, los intérpretes de jazz tomaron prestados otros elementos estilísticos del blues como la nota de blues, la forma musical de las melodías y los riff de blues). Un jazz blues suele presentar un tratamiento más sofisticado (e incluso distinto) de la armonía que un blues más tradicional, permaneciendo sin embargo las características de la progresión estándar de doce compáses.
Una de las principales formas mediante la cual, los músicos de jazz, consiguieron esto fue con la utilización de la sustitución de acordes: un acorde de la progresión original se reemplaza por otro, u otros, manteniendo la misma función pero añadiendo un color diferente o añadiendo un movimiento armónico distintivo dentro del movimiento armónico general.
Un ejemplo de esto ocurre en los compáses noveno y décimo, donde suele darse la progresión de blues, V --> IV, se reemplaza siempre por la progresión típica de ciclo de quintas de jazz ii menor --> V. La estructura de doce compáses de blues en Si bemol suele quedar en:
Si bemol 7 / Mi bemol 7 / Si bemol 7 / Si bemol 7 Mi bemol 7 / Mi disminuido 7 / Si bemol 7 / Re menor 7 - Sol 7 Do menor 7 / Fa 7 / Re menor 7 - Sol 7 / Do menor 7 - Fa 7 Donde cada barra, en el jazz blues, indica una nueva medición. Los principales cambios inclúyen Mi disminuido 7, el cual crea movimiento y el turnaround en iii-VI-ii-V. El tema "Where the Money Goes" de la serie "Schoolhouse Rock!" es un buen ejemplo de este género.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Jazz_blues"
El jazz latino es una rama del jazz que se nutre los ritmos africanos y caribeños. El jazz latino se originó a finales de los años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música afro-cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubans, con instrumentos de jazz.
En comparación con el jazz americano, el jazz latino emplea un ritmo fijo usando a la vez una forma de clave. La conga, el timbal, el güiro y las claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido latino.
Vertientes del jazz latino INICIO
Las dos principales ramas del jazz latino son: la brasileña y la afro-cubana. El jazz latino brasileño incluye la bossa nova y la samba. El jazz afro-cubano se nutre de la salsa, el merengue , el songo, el son, el mambo, el bolero, la charanga la cumbia y el cha cha cha. Otras no menos importantes corrientes del género son la Onda Nueva venezolana y el Tango Contemporáneo argentino.
La samba se origina en la música afro-brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. La bossa nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la samba, pero influida por música europea y estadounidense desde Debussy a jazz estaudounidense. La bossa nova se origina en los años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim y João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
La Onda Nueva venezolana surge como resultado de replantear ritmos autóctonos (particularmente, el joropo) y sustituir instrumentos nacionales vernáculos (cuatro - vihuela o guitarrilla de cuatro cuerdas - arpa y maracas) por el clásico ensamble de jazz: piano, bajo y batería. Esta expresión de jazz latino apareció formalmente a finales de 1960: fue creada por Aldemaro Romero con el apoyo en percusión de Frank "El Pavo" Hernández quien le imprimió su característico toque asincopado. Entre sus temas más conocidos se encuentran "De Repente","Carretera" y "El Catire".
El Tango Contemporáneo argentino, creado por Astor Piazzolla, (quien lo definió como "música contemporánea de Buenos Aires") también intenta jazzear ritmos vernáculos, en los que el tradicional bandoneón, asume giros vertiginosos enmarcados en arreglos que semejan una especie de continuo jam session. Hay un inventario notable de piezas mereciendo especial mención Adiós Nonino, Libertango y bandas sonoras de películas como "Il Postino"("El Cartero"), "Scent of Woman"("Perfume de Mujer") y "True Lies"("Mentiras Verdaderas").
Aunque algunas tendencias actuales son proclives a afirmar que para entender el latin jazz es fundamental la canción "Manteca", de Mongo Santamaría - donde se aplicaba la clave de salsa y patrones rítmicos asincopados propios de la formas tradicionales del jazz norteamericano - asociándolo casi preferentemente con ritmos afrocaribeños, también es conveniente considerar otras corrientes como las antes mencionadas, que surgieron más o menos en la misma época; tal vez, como manifestación latina del llamado Crossover Jazz.
Iconos del jazz latino [editar]
Como interpretes importantes de jazz latino podemos mencionar a Gato Barbieri, Bebo Valdés, Rubén González, Cachao, Chucho Valdés, Tito Puente, Puntilla, Chico O'Farrell, Carlos "Patato" Valdés, Gonzalo Rubalcaba, Roberto Fonseca, Paquito D'Rivera, Carl Tjader, Poncho Sánchez, Jerry González, Arturo Sandoval, Eliane Elias, Jorge Pardo, Chano Domínguez, Michel Camilo y Luis Salinas.
Una buena referencia sobre este genero es la pelicula/documental llamada "Calle 54", dirigida por Fernando Trueba, en la que se puede ver y escuchar a algunos de los músicos anteriormente mencionados y apreciar este genero.
"Jazz modal INICIO
La música modal es, más que un estilo propiamente dicho, una estructura musical a la hora de interpretar.
Antes de su aparición en los años 1950, las improvisaciones de los solistas de jazz se basaban en la clave específica del tema, esto es, en su centro tonal, las notas de sus acordes; el punto de partida al que sus melodías y progresiones de acordes debían volver para producir la sensación de resolución o de haber completado algo.
Las improvisaciones modales se basaron, por el contrario, en modos o escalas, aunque no siempre en las típicas y familiares escalas mayor y menor. No obstante, los modos más usados habitualmente estaban relacionados con las escalas mayores; cada nota en la escala se convertía en la primera nota de un nuevo modo, que aunque podía incorporar todas las notas de la escala mayor original, sonaba diferente porque el nuevo punto de partida reorganizaba el orden de distancias entre las notas. Así, si un músico estaba improvisando sobre, por ejemplo, un acorde en Re, podía elegir cualquier centro clave correspondiente a la escala, incluyendo la nota Re (a menos que el compositor dictase modos específicos para ser usados en los solos).
El nuevo orden de distancias entre notas puede producir muy diferentes tonos (por ejemplo, incluso aunque las escalas Do mayor y La menor usen exactamente las mismas notas, el primero sonará brillante y alegre, mientras que el segundo será más melancólico). Debido a que la sensación de la música proviene de esta selección de notas, la progresión de acordes en la música modal fue habitualmente utilizada de forma muy sencilla, ya que demasiado movimiento podían suponer poco tiempo para explorar con precisión el modo o modos que hubiesen sido seleccionados. Los resultados tienen un toque frecuentemente meditativo, cerebral, aunque nunca tan suaves como los del cool jazz.
La música modal desarrolla casi siempre una sutil tensión producida por el hecho de que las líneas del solo, aunque melódicas, no siempre progresan o se resuelven exactamente como el oyente está acostumbrado a oír. Además, cada vez que un nuevo modo se introduce, el centro tonal cambia, lo que implica que el oyente es transportado a un desequilibrio con una sutil impredecibilidad.
Estructura [editar] INICIO
El jazz modal, generalmente gira sobre un solo acorde, un pedal de bajo y una melodia. La improvisación es muy difícil de realizar debido al acorde estatico de fondo, y es realmente donde el que improvisa debe mostrar sus recursos, se suelen tocar modos impropios del acorde, así como escalas alternativas como la melódica, la armónica, la semitono-tono, los arpegios disminuidos y el crear estructuras armónicas que concuerden con el acorde base.
Representantes [editar] INICIO
Miles Davis fue el primer jazzista en improvisar y componer de acuerdo con la estructura modal; su Kind of Blue es el disco de jazz modal típico, y definitivo para muchos, y dos de sus acompañantes en la grabación (John Coltrane y Bill Evans) se convertirían después en innovadores modales. Las libertades de la música modal ayudaron a allanar el camino para la radical experimentación estructural del jazz de vanguardia, que empezaría a tomar forma a partir de los sesenta.
El jazz rock es uno de los subgéneros musicales que se desarrollaron en los últimos años de la década de 1960 y comienzos de los 70. Enmarcado inicialmente dentro de una corriente más amplia, el Rock Progresivo, conformó su propio lenguaje y desarrolló varias líneas de características bien definidas. Los principales grupos radicaron en los Estados Unidos, pero también hubo ejemplos interesantes en Inglaterra y otros países, incluidas España y Latinoamérica.
Los años 70 fueron la década más visible para la fusión, pero el estilo ha estado también bien representado durante épocas más recientes.
Características musicales [editar]
Todas las variantes del género, incluyeron una serie de elementos característicos propios:
En relación con la estructura del ritmo [editar]
Aunque se siguió generalmente el tipo de compás cuaternario propio del rock, las líneas del bajo y la batería, recogieron modos típicamente jazzísticos, especialmente durante los solos.
En relación con los arreglos [editar]
Aunque en muchos casos los arreglos para las secciones de viento se limitaron a la armonización de los riff de guitarra clásicos del rock, en otros se produjeron verdaderos arreglos para voces instrumentales diferentes, al modo de las bandas de jazz. La influencia en éstos, varió desde los claramente influenciados por el bop, como en los primeros discos de BS&T, hasta los que tomaron sus raíces en las orquestas de swing, como en el caso de Chase. En algunos casos (Dzyan, The Flock...) la influencia de las improvisaciones y arreglos colectivos del free jazz fue evidente.
En relación con los solos instrumentales [editar]
Aunque el concepto de solo ya era conocido y usado por el rock anterior a 1967, en el jazz rock se desarrolla de forma habitual, prácticamente en todos los temas, tomando en muchos de ellos un papel relevante e, incluso, principal respecto al tema vocal, al modo de la tradición jazzística. Ello exigió la presencia en las bandas de instrumentistas solventes, en algunos casos de muy alto nivel: Randy Brecker, Posts relacionados:
